« Concevoir pour la sérendipité »

par Kenta Umemoto (Photographe)

Les œuvres d’art qui présentent des motifs floraux ne manquent pas. Les motifs floraux sur les vêtements ne sont pas rares non plus. Néanmoins, les robes et les combinaisons du « projet TYPE-VIII Kenta Umemoto » possèdent une beauté fascinante, à la fois envoûtante et éphémère, une beauté qui donne l’impression d’une forme informe. Ce projet reconstitue la série « FLŌRA » d’un photographe parisien en devenir, Kenta Umemoto, en vêtements. Quelle histoire se cache derrière tout cela ? Nous explorons le chemin de la création sincère à travers le dialogue, en mélangeant l’inévitable et l’accidentel, le délibéré et l’involontaire, la programmation méticuleuse et le mouvement physique, le tout conçu par l’artiste et les ingénieurs concepteurs d’A-POC ABLE ISSEY MIYAKE.

« Je veux faire ressortir le potentiel qui réside dans chaque fleur. » C’est ainsi que Kenta Umemoto décrit son intention en tant que photographe qui continue à s’intéresser aux fleurs. À partir de 2018 environ, il a commencé à produire une série d’études à domicile, qui est devenue plus tard une série intitulée « FLŌRA ». Ces images expérimentales et magnifiques, qui combinent des techniques numériques et analogiques, ont discrètement attiré un cercle d’admirateurs. L’un d’entre eux a trouvé un lien avec son travail : le designer d’A-POC ABLE, Yoshiyuki Miyamae.

Les deux hommes se sont finalement rencontrés et, avec l’aide de l’équipe d’ingénieurs, ils ont commencé un projet qui a abouti à la sortie du « projet TYPE-VIII Kenta Umemoto » cet automne. Des dialogues et des processus créatifs ont bien sûr eu lieu en coulisses, mais cette fois, la conversation remonte encore plus loin.

Kenta Umemoto est un photographe dont l’avenir est très attendu. Il s’est installé en France en 2020 et, malgré la pandémie, il n’a cessé de poursuivre son mode d’expression unique. Il est donc important de s’interroger sur son passé et ses réflexions, non seulement pour mieux comprendre le projet collaboratif « TYPE-VIII », mais aussi pour donner un aperçu des aspirations futures de cet artiste émergent.

──Quand as-tu commencé à t'exprimer à travers la photographie ? Et comment tout a-t-il commencé ?

Kenta Umemoto (« Umemoto » ci-dessous) : J’ai commencé à m’intéresser à la photographie lorsque j’étais étudiant à l’université. L’université que je fréquentais proposait un cours sur le photojournalisme et je l’ai suivi par hasard. J’ai trouvé le contenu du cours assez intéressant et j’ai commencé à vouloir devenir photographe de guerre ou photojournaliste. Je suis immédiatement allé à Ueno pour acheter un appareil photo et j’ai commencé à participer aux ateliers que mon professeur organisait à l’époque.

Après cela, j'ai voyagé dans plusieurs pays avec un reflex numérique Canon, couvrant des sujets que je choisissais moi-même, comme les problèmes environnementaux dans les régions tropicales. J'ai fait des recherches, pris des photos et écrit des articles. J'avais environ 19 ou 20 ans et j'étais plein d'énergie, j'essayais toutes sortes de choses. J'avais probablement l'état d'esprit suivant : « Je suis un photojournaliste », mais avec le recul, c'était juste une illusion. Je ne comprenais pas vraiment ce qu'était le vrai journalisme à l'époque.

──Pour autant, étiez-vous tellement absorbé par la photographie que vous avez envisagé de devenir photographe professionnel ?

Umemoto : Je voulais vraiment me consacrer à la photographie, mais ce n'était pas encore une idée concrète. Puis le grand tremblement de terre de l'est du Japon s'est produit et, alors que mes amis et connaissances qui s'intéressaient à la photographie se sont tous rendus dans les zones sinistrées pour prendre des photos, je n'ai pas pu me résoudre à bouger du tout. Instinctivement, je ne voulais pas le faire et je ne le pouvais pas. J'étais frustré mais je traversais aussi une période difficile, tant physiquement que mentalement, ce qui explique en partie ce problème. Mais au final, j'ai réalisé que la nature du travail, qui consistait à prendre des photos de catastrophes pour les vendre aux agences de presse et aux médias, ne me convenait pas.

Peu de temps après, j’ai commencé à étudier la photographie argentique et j’ai réalisé que c’était ce que je voulais vraiment faire. À partir de ce moment-là, pendant mes études universitaires, j’ai fait des recherches dans des livres et sur Internet et j’ai suivi des cours de courte durée pour découvrir le travail en chambre noire. J’ai suivi une formation en photographie qui m’a semblé être une double ou triple formation parallèlement à ma vie d’étudiant. J’ai dépensé beaucoup d’argent en équipement, en matériel et en cours, j’ai donc occupé de nombreux emplois à temps partiel pour subvenir à mes besoins.

──Pourquoi avez-vous souhaité vous consacrer à la photographie plutôt qu’au journalisme à ce point ?

Umemoto : En effet, je me demande pourquoi. Pour être honnête, je ne sais toujours pas exactement pourquoi je me suis autant attaché à la photographie. J'aime simplement créer des images et prendre des photos, mais si vous me demandiez pourquoi j'aime ça, j'aurais du mal à vous répondre (rires). Ce n'est pas que j'aime les appareils photo ; en fait, j'ai une attitude plutôt indifférente envers le matériel : n'importe quoi fera l'affaire. Je suppose que je continue à faire ce que je trouve intéressant, et parce que je le fais, j'aime ça.

Yoshiyuki Miyamae (« Miyamae » ci-dessous) : Après vous être éloigné du journalisme et avoir commencé à vous concentrer sur l’expression, quel genre de photographie preniez-vous sur pellicule lorsque vous étiez à l’université ?

Umemoto : Je prenais des photos de rues et de gens. Je n'avais pas de thème particulier, mais à l'époque, les pellicules n'étaient pas aussi chères qu'aujourd'hui, donc je photographiais une grande variété de sujets et développais les photos moi-même. J'ai installé une simple chambre noire dans ma cuisine, ne laissant que la cuisinière à gaz pour pouvoir cuisiner. J'étais obsédé par la prise de vue, le développement et le tirage de pellicules dans tous les formats, du 35 mm au moyen et grand format.

──À cette époque, y avait-il des photographes ou des artistes que vous admiriez en particulier ou qui vous ont influencé ?

Umemoto : Mon université se trouvait à Jinbocho, à Tokyo. J’ai donc passé beaucoup de temps à parcourir les livres de photos dans les librairies d’occasion. Keiichi Tahara est l’un des photographes qui m’a le plus marqué. Son travail sur la lumière et l’ombre m’a beaucoup touché et j’admirais sa polyvalence, pas seulement en photographie mais aussi dans ses expressions dans différents domaines. Je l’admirais aussi parce qu’il était un artiste japonais basé en France. Des années plus tard, j’ai eu l’occasion de partager un repas avec lui et, pendant notre conversation, j’étais tellement ému que j’ai commencé à pleurer (rires).

──Qu’as-tu fait après avoir obtenu ton diplôme universitaire ?

Umemoto : J'ai obtenu mon diplôme environ six mois plus tard que prévu et après cela, j'ai fait toutes sortes de petits boulots à temps partiel. Je voulais travailler dans la photographie, mais je ne trouvais pas de missions de prise de vue à l'époque. Finalement, j'ai entendu parler d'une entreprise de kimono basée à Yamagata qui cherchait un photographe pour ouvrir un studio de photographie à Tokyo. Je pense qu'ils m'ont contacté en partie parce que nous venions de la même ville natale.

J’ai trouvé que ça avait l’air intéressant et que c’était un travail de photographe, alors j’ai décidé d’accepter l’offre. Je photographiais principalement des portraits commémoratifs pour des événements comme des cérémonies de passage à l’âge adulte. Comme c’était un studio photo géré par une entreprise de kimono, je photographiais des personnes habillées en kimono, ainsi que les kimonos et les tissus. Il s’agissait essentiellement de portraits standard, pris sous mes ordres, du genre : « Ok, souris à l’appareil photo ! ». Au final, j’y ai travaillé pendant cinq ans et j’ai dû photographier environ 4 000 groupes au total. Je photographiais sans arrêt des personnes et des tissus. Maintenant que j’y pense, c’était une excellente formation et c’est devenu la base de mon travail actuel.

──J'imagine que les techniques d'éclairage sont importantes pour la photographie en studio. Les avez-vous déjà apprises quelque part ?

Umemoto : L'éclairage est très important, mais en fait j'ai tout appris tout seul. On peut trouver beaucoup d'informations en ligne, et on peut en apprendre beaucoup sur l'utilisation du matériel sur Internet. Je suppose que c'est dans ma nature, mais j'essaie toujours d'étudier et de comprendre les choses par moi-même en premier. Si je ne comprends pas quelque chose, je demande de l'aide à quelqu'un. Chaque fois que je reçois des questions, je réponds toujours : « Oui, bien sûr, je le ferai. » Si je ne savais pas comment faire quelque chose, et en fait, il y avait beaucoup de choses dont je n'avais aucune idée au début, je me précipitais chez moi pour étudier. C'est ainsi que j'ai progressivement amélioré mes compétences en matière d'éclairage et de photographie.

──Cela semble être une approche très particulière. J'ai souvent entendu dire que les gens suivent généralement un apprentissage dans un studio ou chez un photographe pour apprendre l'éclairage.

Umemoto : Oui, ce n’est peut-être pas la manière conventionnelle de progresser dans ce domaine. Au final, je n’ai pas étudié avec quelqu’un ; j’ai tout appris par moi-même. Avec le recul, je pense que c’était pour le mieux et que cela m’a conduit au travail et aux activités que je fais maintenant. Bien sûr, il y a eu des moments où je me suis dit que je devrais peut-être étudier avec quelqu’un. Mais je n’aimais pas l’idée de demander conseil à des personnes plus âgées ou de faire partie d’un groupe. Je voulais d’abord essayer les choses moi-même. Je pensais que je pouvais apprendre de ma propre expérience. Avec le recul, j’ai peut-être été un peu prétentieux (rires).

──On dirait que tu as un sens aigu de l'indépendance et de l'autonomie. Cela semble être une qualité essentielle pour un artiste, mais cela peut aussi entraîner des risques, comme des erreurs.

Umemoto : En fait, si je compte les petites choses, je pense que j’ai commis beaucoup d’erreurs. Bien sûr, il y a des moments où je regarde en arrière et je me dis : « J’aurais dû faire comme ça », et je m’attarde parfois sur certaines choses, mais je ne les laisse pas me peser. J’ai tendance à me concentrer davantage sur la raison de mon échec, à y réfléchir et à transformer cela en une expérience d’apprentissage. C’est peut-être pour cela que je n’ai pas vraiment le sentiment d’« échec ». Mon approche est plutôt du genre : « Je vais juste réessayer ».
Bien entendu, j’étais consciente de mon manque d’expérience et de connaissances, donc je me préparais toujours très soigneusement avant chaque séance photo. Je faisais des recherches approfondies sur tout avant de rentrer dans le studio comme si de rien n’était, en restant calme et en photographiant comme une photographe professionnelle (rires). C’est le style auquel j’ai adhéré.

──Je sens une forte détermination à continuer d’apprendre et d’explorer votre propre forme d’expression en tant que photographe.

Umemoto : Oui, j'ai toujours faim de ça. Si j'ai envie de voir quelque chose, je cours après jusqu'à ce que je puisse le voir. Si j'ai envie de faire quelque chose, je m'assure de le faire sans retenue. J'ai aussi un grand appétit pour la nourriture (rires). Il y a beaucoup de pression, mais y faire face me rend plus fort. Faire face seul au travail et aux projets créatifs, porter la responsabilité et essayer de produire quelque chose, tout cela peut être le résultat de cette mentalité de faim.

──Et cette faim semble être une qualité adaptée à un photojournaliste.

Umemoto : Je n'avais pas vraiment faim quand j'étais étudiant à l'université. Je ne pense pas que la faim soit profondément ancrée en moi. Je pense qu'elle vient d'un désir d'exprimer les images, la beauté, les émotions et les sentiments que j'éprouve à l'intérieur à travers la photographie et les visuels. Peut-être que la direction de ma faim est simplement différente.

──Vous êtes actuellement basé à Paris. Qu'est-ce qui vous a amené à venir vous installer en France ?

Umemoto : Alors que je travaillais encore au studio photo, j’ai reçu un e-mail d’un directeur artistique français au sujet de commandes de séances photo. Le premier travail était pour Shiseido et à partir de là, j’ai commencé à photographier des produits également. Grâce à ces opportunités, j’ai commencé à photographier une grande variété de sujets. Comme j’ai toujours voulu poursuivre ma carrière de photographe à l’échelle mondiale, j’ai commencé à créer des œuvres personnelles après mon retour du studio photo et j’ai progressivement constitué mon portfolio.

En 2019, je me suis marié et j'ai pu m'éloigner du studio photo pour une lune de miel. J'ai pris mon portfolio avec moi et je suis allé à Paris avec ma femme. J'ai organisé des rendez-vous avec des agents et visité environ cinq ou six bureaux. L'un d'eux, qui représente de nombreux artistes internationaux de premier plan, a fini par devenir l'agence avec laquelle je suis actuellement sous contrat. Je ne pensais pas que c'était possible, mais j'ai réussi à obtenir le contrat. Une fois que vous avez un contrat, cela ouvre la porte à l'obtention d'un visa pluriannuel, donc je savais que je devais y aller. J'ai quitté mon travail au studio photo et j'ai déménagé à Paris en 2020.

──Au moment où votre carrière au Japon commençait à se développer, vous cherchiez déjà à l’étranger et preniez des mesures concrètes pour y parvenir.

Umemoto : Je ne me contentais pas de travailler uniquement au Japon. Je voulais m’ouvrir au monde. Et plus je travaillais dans la photographie, plus mon objectif devenait clair : devenir un photographe capable de jouer un rôle actif sur la scène internationale. Cela signifiait ne pas faire des allers-retours entre le Japon et l’étranger sans enthousiasme, mais m’engager pleinement dans une carrière internationale. J’ai commencé à me concentrer sur la façon de devenir un photographe capable de s’épanouir dans cet environnement. Il s’agissait donc simplement d’agir.

──Vous avez déménagé en France en 2020, lorsque la pandémie a frappé. Cela a dû avoir un impact important sur vos projets.

Umemoto : En effet. En janvier 2020, j'étais censé déménager seul après avoir quitté ma maison à Tokyo. Il y a eu quelques retards dans l'obtention de mon visa, donc je n'ai pas pu entrer en France avant fin février. Puis, environ deux ou trois semaines plus tard, la pandémie a commencé à se propager à travers l'Europe et la France a soudainement annoncé un confinement, m'obligeant à retourner au Japon. J'ai fini par passer sept mois à vivre dans la maison familiale de ma femme à Yamagata. Comme je n'avais pas de travail pendant cette période, j'ai passé tout mon temps à photographier des fleurs.

Puis, en octobre, j’ai enfin pu voyager à nouveau et retourner à Paris. Les deux premières années ont cependant été incroyablement difficiles. C’était une véritable expérience de survie. Mon contrat avec l’agence était en freelance, donc je n’avais aucune garantie d’emploi. J’ai dû me démener et trouver du travail par moi-même. Mais comme nous étions en pleine pandémie, même sortir nécessitait un permis et il était difficile de faire la promotion de mon portfolio. La seule chose que je pouvais faire était de continuer à créer et à publier du travail. Je me suis concentrée sur la création de nouvelles pièces, les publiant sur Instagram et les compilant en PDF pour les envoyer à des clients potentiels via mon agent.

Sans revenus, ma femme et moi vivions dans un petit appartement, utilisant soigneusement nos économies et réduisant tout. Chaque jour, je comparais nos économies avec le coût de la vie et le loyer, calculant combien de temps encore nous pourrions nous permettre de vivre à Paris. Je suis venu à Paris pour me consacrer à la photographie, et je ne pouvais pas me permettre de perdre de vue cet objectif. J'étais déterminé à protéger le fait que j'étais, avant tout, un photographe, quoi qu'il arrive.

──Cela ressemble à un début vraiment difficile, presque comme une période d’apprentissage.

Umemoto : La première année, je n'avais probablement qu'un seul emploi, voire aucun. Avec le recul, je peux dire que j'avais besoin de traverser cette épreuve et que ces moments difficiles ont été bénéfiques à leur manière. Mais à l'époque, c'était vraiment l'enfer. (Rires) Pourtant, comme la situation était si difficile, je n'avais rien d'autre sur quoi me concentrer que sur mon propre travail. Et avec tout ce temps libre, c'est à ce moment-là que « FLŌRA » a vraiment commencé à se développer.

──C'est fascinant de voir comment les choses se passent. La série « FLŌRA » sur le thème des fleurs que vous avez créée a été repérée par Miyamae-san.

Miyamae : Oui, je suis tombée par hasard sur le travail d'Umemoto-san sur un média d'art et de design. C'était vers 2021, je crois. Je me souviens avoir été vraiment frappée par le caractère incroyable de ses photos. Environ un an plus tard, j'ai reçu un message de quelqu'un de ce média disant qu'il voulait me présenter quelqu'un, et il s'est avéré qu'il s'agissait d'Umemoto-san.

Umemoto : Après avoir travaillé pendant deux ans à Paris, j'ai enfin pu me permettre de payer mon voyage de retour au Japon. Comme je revenais, je voulais rencontrer et discuter avec des gens qui m'intéressaient sur le plan créatif. J'ai donc demandé conseil à quelqu'un en qui j'avais confiance. Le nom de Miyamae-san est apparu immédiatement et on m'a donné ses coordonnées. Je lui ai alors envoyé un e-mail.

Miyamae : Je m’en souviens. Nous nous sommes rencontrés au bureau d’Issey Miyake, où Umemoto-san m’a montré son travail. Nous avons parlé de ce sur quoi nous travaillions tous les deux à l’époque. Puis environ un an plus tard, en février 2023, nous avons eu une autre occasion de nous rencontrer, cette fois à Paris. En 2022, j’ai créé des costumes pour une représentation scénique en utilisant une technique consistant à presser des feuilles d’or sur les vêtements. Mais j’avais le sentiment qu’il y avait un moyen de développer cette méthode sans se fier uniquement à la feuille d’or. C’est à ce moment-là qu’Umemoto-san m’est soudainement venu à l’esprit ! (Rires)

Umemoto : Je crois me rappeler que tu as même dit : « Tu es apparu dans mon rêve », n’est-ce pas ? (Rires) Peut-être que je t’ai envoyé une sorte de signal subconscient. C’est à ce moment-là, au printemps de cette année-là, que je suis retourné à Tokyo pour une mission et que j’ai eu la chance de rencontrer Nakatani-san et Takahashi-san de l’équipe d’ingénierie. C’est à ce moment-là que ce projet a commencé à prendre forme.

──Au début de ce projet, quelles étaient vos pensées en tant qu’ingénieur concepteur ?

Manabu Nakatani (« Nakatani » ci-dessous) : Nous avions déjà exploré comment améliorer le Steam Stretch avec différentes formes d’expression. Nous savions déjà que l’impression sur tissu plissé pouvait produire de beaux effets. Mais sans un récit ou une histoire visuelle plus profonde derrière les couleurs et les motifs, ce ne serait qu’un autre beau tissu et le défi était donc d’aller plus loin. Donc, avec Steam Stretch, je me suis principalement concentré sur le matériau lui-même et les processus techniques impliqués.

Lorsque Miyamae-san m’a montré les photographies de « FLŌRA », j’ai été frappée par leur beauté écrasante. J’ai senti que grâce à la technique du Steam Stretch, avec ses plis et ses replis, nous pourrions mettre en valeur et même renforcer le contraste de cette beauté. J’ai simplement senti qu’il y avait un fort potentiel pour l’exprimer sous la forme d’un vêtement incroyablement simple mais élégant.

Nanae Takahashi (« Takahashi » ci-dessous) : Je me souviens de la première fois où nous avons rencontré Umemoto-san, nous avons regardé ses photographies et discuté du type de vêtement qui pourrait convenir au projet. Une fois qu’Umemoto-san est revenu à Paris, il nous a envoyé plusieurs nouvelles œuvres et nous avons sélectionné celles qui fonctionneraient le mieux pour créer des échantillons. Malgré la distance entre Tokyo et Paris, tout s’est déroulé de manière étonnamment fluide.

Umemoto : En septembre, lorsque l'équipe A-POC ABLE est venue à Paris, ils m'ont montré les vêtements déjà terminés. Le processus de fabrication des vêtements et les vêtements eux-mêmes ne ressemblaient à rien de ce que j'avais pu voir jusqu'à présent. C'était incroyable, presque comme une photo Polaroïd, où le vêtement émergeait du papier au fur et à mesure qu'il était décollé.

Takahiro Hoshino (Hoshino) : Nous savions que pour la série « FLŌRA », Umemoto-san avait expérimenté des techniques analogiques et numériques, nous avons donc d’abord essayé plusieurs approches différentes de traitement et d’impression. Nous avons finalement découvert que l’impression par transfert thermique préservait le mieux les couleurs vives des photos, nous avons donc choisi cette méthode.

Le processus commence par la création d'un vêtement blanc avec des plis et des plis en utilisant la technique Steam Stretch, ce qui donne une pièce hautement tridimensionnelle. Nous pressons le vêtement à plat, puis une fois cela fait, le vêtement est pris en sandwich entre du papier transfert qui contient la photographie d'Umemoto-san. En appliquant de la chaleur et de la pression, l'image est transférée sur le tissu. Lorsque le papier est retiré, le vêtement imprimé émerge. Bien que l'impression soit initialement appliquée sur une surface plane, nous avons accordé une attention méticuleuse au maintien de la beauté de la structure tridimensionnelle du vêtement, y compris sa silhouette et le design du col.

──Il semble que vous ayez transféré l'illustration de manière à ce qu'elle soit découpée en fonction des vêtements.

Takahashi : Nous avons essayé différents ajustements, comme modifier la taille et la position des images et déterminer la quantité d'espace blanc à laisser. Il est intéressant de noter qu'en sélectionnant ce qui nous semblait le plus beau, nous avons fini par graviter vers des résultats similaires.

Nakatani : Ce qui m'a marqué, c'est que lorsque j'ai demandé à Umemoto-san s'il était possible de recadrer les morceaux, il m'a simplement répondu : « Tout est permis. » Comme il s'agit d'une œuvre d'art, nous avons toujours une certaine hésitation à la faire pivoter ou à la couper. Lorsque je lui ai timidement demandé, il m'a répondu : « Vous pouvez la faire pivoter à 180 degrés, la réduire, l'agrandir ou la recadrer là où vous pensez que c'est beau. N'hésitez pas à faire ce que vous voulez. »

Umemoto : Eh bien, si vous voulez simplement jeter un œil à mes photos, vous pouvez simplement visiter mon site Web. Le but ici est de créer des vêtements, pas seulement de présenter des photos. Je pense qu'il est préférable que l'équipe d'A-POC ABLE exprime librement ses idées. Je ne me sens donc pas à l'aise d'imposer des instructions strictes. Cela limiterait leur créativité et je trouve cela peu inspirant.

Ce projet est un effort collaboratif, donc permettre à chacun de produire son meilleur travail renforce le résultat final. J'ai mis tout mon cœur dans la création de l'œuvre originale, donc je veux laisser la liberté d'exprimer cela dans les vêtements. J'ai également tout confié à l'équipe A-POC ABLE et j'avais confiance en leurs capacités. En fin de compte, la photographie et la mode sont toutes deux des créations humaines, et la façon dont nous nous connectons en tant que personnes et en tant qu'équipe est ce qui compte le plus.

──Pour revenir un peu en arrière, pourriez-vous expliquer le concept global derrière « FLŌRA » ?

Umemoto : « FLŌRA » est basé sur les fleurs que j’ai photographiées, mais le thème tourne autour des processus superposés qui évoquent un sentiment de beauté en mouvement. En tant que photographe, j’ai souvent l’impression qu’il y a des limites à l’acte de photographier, et je réfléchis constamment à la manière de les transformer en expressions plus picturales. En superposant des processus physiques sur les photographies, je cherche à mettre en avant des éléments tels que la distorsion, les problèmes ou même les échecs. Cette approche me permet de remodeler les images selon ce que j’envisage. Plutôt que de manipuler des matériaux visuels sur un écran d’ordinateur, je me concentre sur l’utilisation des effets qui découlent des processus manuels, créant des images qui sont imparfaites mais parfaites en elles-mêmes au final.

──En intégrant intentionnellement des erreurs du travail manuel, le sens de la beauté devient fluide. Lorsque vous créez une œuvre, suivez-vous un processus qui permet de concrétiser une vision claire ?

Umemoto : Je pense que oui. En général, j'ai une vision claire et je planifie un peu, mais les choses se passent rarement exactement comme je l'avais imaginé. Bien que je fasse généralement des croquis détaillés, étrangement, les résultats semblent souvent plus beaux que ce que j'avais imaginé au départ. Développer plusieurs modèles est important, mais il est tout aussi important de les peaufiner. L'ensemble du processus prend un certain temps.

Takahashi : Notre approche de la fabrication est assez similaire. Nous préparons tous les matériaux et toutes les méthodes pour les emporter sur le chantier, mais le plus souvent, les résultats sont inattendus. Comme nous expérimentons beaucoup, nous avons la chance d'avoir sur place des collaborateurs de longue date qui partagent une sensibilité esthétique commune. Cela nous permet de converger vers ce que nous pensons être le meilleur résultat, même au milieu de toutes les expérimentations.

Nakatani : Dans ce projet, les plis créés grâce à Steam Stretch sont conçus pour générer une impression d'espace blanc dans les photographies. Le processus d'Umemoto-san comprend la génération d'erreurs par des techniques physiques, et le point clé pour nous était de savoir comment exprimer la beauté accidentelle qui émerge dans les vêtements.

Cela dit, la précision de Steam Stretch est incroyable, de sorte que le tissu et les plis eux-mêmes ne laissent aucune place au hasard. Tout ce qui concerne la façon dont chaque partie se contracte est préprogrammé, ce qui signifie qu'aucune erreur ne peut se produire. Mais cette fois, pour le processus de transfert d'image, il existe une méthode qui nous permet d'aplatir les formes tridimensionnelles, ce qui permet de légères divergences et ambiguïtés introduites par le travail manuel. Cela crée un sentiment de sérendipité ou une fluctuation d'expression. En d'autres termes, derrière la coïncidence, il y a des plis et des replis inévitables créés par un programme précis. Cette dualité nous a permis de fusionner efficacement la belle imagerie des fleurs avec les vêtements.

Umemoto : C'est une excellente explication. Si les photographies avaient été simplement imprimées sans le procédé que vous venez de décrire, les vêtements n'auraient pas été créés de cette façon. Même si j'ai créé les œuvres originales, j'ai l'impression qu'elles ont été imprégnées d'une vie complètement différente et nouvelle.

──Je crois comprendre que vous avez également géré les visuels du « projet TYPE-VIII Kenta Umemoto » ?

Umemoto : Oui, car chaque aspect du projet est interconnecté, j’étais responsable de tout, de la prise de vue à la postproduction, y compris de la manière d’exprimer le projet. J’ai utilisé les techniques de la série « FLŌRA » pour créer les photographies, ce qui a permis de présenter le projet comme une œuvre d’art singulière. Ma femme a servi de modèle pour la séance photo et nous nous sommes minutieusement préparés ensemble pour déterminer comment mettre en valeur les vêtements de manière magnifique et quels mouvements mettraient cela en valeur.

Miyamae : Nous avons tourné dans un studio à Tokyo, et l’éclairage était assez fascinant. Naturellement, la synergie avec le modèle, Risa-san, était parfaite. Si cela avait été quelqu’un d’autre, les visuels n’auraient pas été les mêmes. L’expression s’est avérée très forte, et je pense que le projet avec Umemoto-san s’est parfaitement bien déroulé. Comme le reste du projet a maintenant été présenté sous forme d’exposition photo, j’espère que de nombreuses personnes viendront le voir.

Umemoto : Comme Miyamae-san voulait imprimer en grand, j'ai maximisé la taille jusqu'aux limites du laboratoire. J'espère vraiment que beaucoup de gens pourront en faire l'expérience.

Exposition « Projet TYPE-VIII Kenta Umemoto »

ISSEY MIYAKE GINZA | CUBE
Période : dimanche 1er septembre - lundi 28 octobre

ISSEY MIYAKE SEMBA | ESPACE CRÉATION
Période : dimanche 1er septembre - samedi 26 octobre