— Pour commencer, pourriez-vous nous raconter comment ce projet a vu le jour ? Il semblerait qu'il ait débuté lorsque Miyamae-san a visité l'exposition personnelle de Kangawa-san, « EUGENE STUDIO After the rainbow » (Musée d'Art Contemporain de Tokyo, 2021-22).

Yoshiyuki Miyamae (ci-après Miyamae) : Je m'en souviens encore très bien. Je prends souvent le temps de visiter diverses expositions, mais celle de Kangawa-san m'a fait penser : « Je veux la revoir ». Ce qui m'a frappé comme une étrange coïncidence, c'est le timing, car cela s'est passé juste au moment où j'avais transmis mon rôle de designer pour la collection ISSEY MIYAKE et où je me lançais dans une nouvelle aventure, A-POC ABLE ISSEY MIYAKE (ci-après A-POC ABLE). À ce moment-là, j'étais déterminé à travailler avec de nombreuses personnes pour poursuivre et faire évoluer ce que Miyake avait construit. Puis j'ai découvert le travail de Kangawa-san, et sa capacité à saisir l'essence des choses et à l'exprimer comme une beauté qui existe au-delà des mots. Cela m'a profondément ému. Cette expérience est devenue le point de départ de notre relation en tant qu'A-POC ABLE avec Kangawa-san.

Eugene Kangawa (ci-après, Kangawa) : Merci. Oui, nous avons parlé de beaucoup de choses après cette exposition, n’est-ce pas ? Je me souviens avoir visité le bureau d'Issey Miyake pour la première fois par la suite, où on m'a offert le grand livre de TASCHEN, ISSEY MIYAKE. Cela m'a donné l'occasion d'explorer à nouveau l'histoire que je pensais déjà comprendre, l'existence et la philosophie d'Issey Miyake. Ensuite, l'équipe d'A-POC ABLE dirigée par Miyamae-san a visité mon studio et ma maison, et les ateliers que nous avons tenus ensemble ont finalement abouti à ce projet.

Miyamae : Lors de ces ateliers, nous avons expérimenté une méthode similaire à la série « Lumière et ombre en moi » de Kangawa-san : en pliant des feuilles de papier cyanotype fabriquées par nos soins, en les exposant au soleil et en laissant apparaître de subtiles variations de couleurs au fil du temps. Pendant ce processus, nous avons tendance à d'abord penser en termes de structure et de fonction, tout comme lors de la création de vêtements. Mais l'approche de Kangawa-san était centrée sur la présence du papier plié lui-même, ainsi que sur l'interaction de la lumière et de l'ombre révélée par la décoloration. Une façon de percevoir la beauté qui ne nous était jamais venue à l'esprit auparavant. À partir de là, nous avons commencé à expérimenter les deux et trois dimensions, en travaillant de nos mains et en nous engageant dans l'acte de plier comme un moyen d'imaginer notre propre sens de la beauté. Ce fut une expérience profondément agréable qui a élargi notre perspective de manière significative.

— À partir de « Lumière et ombre en moi », vos œuvres semblent souvent présenter des formes tangibles tout en contenant une forme d’abstraction. Comment abordez-vous le mouvement entre le bidimensionnel et le tridimensionnel, ou entre le concret et l’abstrait dans votre travail ?

Kangawa : À mes débuts, au milieu de mon adolescence, j'ai réalisé de nombreux dessins et peintures figuratifs. Comparées à ceux-ci, mes œuvres récentes peuvent sembler plus abstraites, mais je pense que ma façon de voir, avec mes « yeux », n'a pas changé, même si les techniques ont évolué.
Pour moi, une œuvre d'art est le résultat d'une convergence entre l'expérience individuelle et l'époque dans laquelle nous vivons, une époque qui reflète notre histoire. Plutôt que de penser en termes de concret ou d'abstrait, ce qui m'importe, c'est l'existence du « temps » lui-même dans l'œuvre. Par exemple, les peintures bleu turquoise de « Lumière et ombre en moi » ont été réalisées en pliant du papier aquarelle enduit d'encre à base d'eau en formes polygonales, en les fixant, et en les exposant à la lumière du soleil pendant plusieurs semaines avant de les déplier à nouveau. Et la même technique a été utilisée pour l'œuvre monochrome, qui a été créée en pliant une feuille de papier photographique gélatino-argentique dans une chambre noire et en l'exposant à un seul point de lumière : un photogramme formé par la lumière elle-même. Dans les deux cas, au lieu de représenter quelque chose par le dessin, je permets au phénomène lui-même de se manifester comme peinture, laissant la myriade d'événements de la nature se produire à la surface, ou plutôt, les lui confiant. Dans ce sens, je pense que le papier et la toile ont beaucoup en commun avec le corps. En conséquence, les œuvres peuvent habiter le seuil entre le plan et la forme, entre le concret et l'abstrait.

Miyamae : Je m'intéresse beaucoup à la façon dont Kangawa-san perçoit les choses. Ses œuvres sont d'une beauté saisissante et ses espaces sont conçus de manière si dynamique que je suis toujours curieux de connaître le processus de pensée et la perspective qui les sous-tendent. En créant des vêtements chez Issey Miyake, on me demande parfois : « Pourquoi continuez-vous à collaborer avec des personnes extérieures à l'organisation ? » La réponse est que, finalement, les gens sont le moteur de la créativité. En côtoyant une personne comme Kangawa-san, j'entrevois la façon dont il perçoit et découvre la beauté, et ces réalisations sont infiniment fascinantes. Bien sûr, je ne peux pas prétendre tout comprendre. Pourtant, je me demande souvent comment chacune de ces découvertes nous transformerait si elles étaient intégrées à notre équipe. Le temps passé à échanger avec Kangawa-san, tout en gardant ces questions à l'esprit, est devenu profondément enrichissant.

Une nouvelle perception du temps et de la beauté

— À vous écouter, il semble que le concept de « temps » soit profondément lié à votre travail. Le percevez-vous comme quelque chose d'irréversible, ou le voyez-vous sous un angle différent ?

Kangawa : Votre question me fait prendre conscience que je ne perçois peut-être pas le temps comme quelque chose qui se déplace dans une direction unique et linéaire. Par exemple, le phénomène de la « décoloration » est généralement perçu négativement comme une détérioration, mais je ne l'ai jamais vu ainsi. La décoloration est une progression où la couleur change, mais elle peut aussi être vue comme une sorte de régression, un retour vers la couleur d'origine du papier. Il y a une profondeur de temps dans ce processus, et je trouve cela profondément beau.

Le point de départ de « Lumière et ombre en moi » remonte à cinq ou six ans, lorsque j'ai présenté mon travail lors de l'exposition individuelle de 2021. Un jour d'hiver, alors que je réarrangeais ma chambre, j'ai pris une boîte de rangement qui était restée longtemps près de la fenêtre, et dont la couleur s'était estompée. Généralement, une boîte délavée pourrait être considérée comme finie ou ayant dépassé son usage, puis jetée, mais pour moi, son état délavé paraissait remarquablement beau. J'y ai perçu un potentiel, et en même temps, j'y ai vu de la beauté. Le colorant s'était estompé, révélant la couleur de base, mais les détails intentionnels coexistaient toujours avec l'imparfait. À cet instant, j'ai ressenti une présence qui me rappelait l'humanité.

Miyamae : C’est fascinant. Généralement, la décoloration est perçue négativement. On considère que l’état fraîchement teint est le plus beau et nous avons toujours travaillé en étroite collaboration avec des artisans pour préserver cette couleur.

Mais dans le contexte actuel, où la durabilité est de plus en plus importante, les designers sont mis au défi de reconsidérer la relation entre les objets et le temps afin de s'assurer qu'ils durent plus longtemps. Dans un monde où nous ne pouvons pas garantir la même qualité dans 20 ou 50 ans, si nous pouvons intégrer la beauté du changement elle-même dans le design, un large éventail de possibilités s'ouvre. Si nous pouvions créer des vêtements qui s'estompent naturellement et magnifiquement avec le temps, au fur et à mesure qu'ils sont portés, j'aimerais les voir. L'idée que le porteur complète le vêtement par le processus d'utilisation rejoint l'esthétique que Issey Miyake a longtemps valorisée. C'est aussi un thème que j'espère perpétuer à l'avenir, inspiré par ce projet. Même les choses qui ont été considérées comme « inesthétiques » peuvent révéler leur beauté lorsqu'elles sont vues sous une perspective différente. Grâce à la vision de Kangawa-san, j'ai réalisé que notre perception du monde pouvait encore être renouvelée.

— Ces réalisations ont mené directement au « projet TYPE-XIV Eugene Studio ». Lors de la traduction du concept en vêtements finis, vous vous êtes concentrés sur le blanc et le noir. En utilisant seulement deux fils, vous avez obtenu des gradations dans le tissu en manipulant la densité du tissage, sans avoir recours à la teinture ou à la couleur.

Miyamae : Au début, nous avons tenté de reproduire le phénomène de l'estompage sous forme textile, mais sans y parvenir exactement. Cela nous a incités à reconsidérer ce que nous pouvions faire en tant qu'Issey Miyake. En revenant aux unités fondamentales du tissage, les fils de chaîne et de trame, nous nous sommes demandé : « Que peut-on faire avec un seul fil ? » De cette question a commencé ce défi. En utilisant uniquement des fils blancs et noirs, nous avons exploré comment les variations de la structure et de la densité du tissage pouvaient rendre la lumière et l'ombre, traduisant efficacement les phénomènes du papier photographique et de la lumière dans le langage du tissu. En général, la valeur de cette tentative aurait pu être difficile à saisir pleinement pour d'autres. Mais nous avions la forte intuition que cela mènerait inévitablement à quelque chose de nouveau. L'histoire du tissage avec la chaîne et la trame s'étend sur près de 10 000 ans. L'humanité est confrontée au tissu depuis des millénaires, et cette vérité ne changera pas. En comprenant et en utilisant l'essence primitive des matériaux, de nouveaux textiles peuvent émerger et de ceux-ci, de nouveaux vêtements Issey Miyake peuvent naître. C'est pourquoi, même si l'entreprise semble modeste, je sens qu'elle représente un véritable pas en avant.

Kangawa : Je me souviens très clairement qu’un membre de l’équipe A-POC ABLE a dit : « Dans ce projet, nous tissons un nouveau ‘langage’. » Traditionnellement, la création de la couleur désirée implique de teindre le tissu ou le fil. Mais ils imaginaient une histoire alternative : une histoire dans laquelle la nature des vêtements aurait été entièrement différente. Un métier à tisser peut être considéré comme un prototype des premiers ordinateurs ou du langage lui-même, qui sont tous deux en constante évolution. De ce point de vue, la tentative de tisser un nouveau langage aujourd’hui est extrêmement fascinante. En même temps, je me souviens très bien d’avoir vu le tissu pour la première fois. Même sans connaître tout le contexte, sa qualité et sa présence tactile étaient immédiatement claires. Il y avait sûrement des moyens plus simples d’obtenir un effet similaire, mais l’équipe a délibérément entrepris des répétitions minutieuses et n’a utilisé que la densité du fil pour créer de subtils changements de couleur. J’ai simplement ressenti un profond respect, et j’ai été ravi d’être témoin d’une création aussi extraordinaire. À mon avis, cela représente une profonde réalisation au sein même de l’essence de ce que les textiles peuvent être.

Des vêtements qui apportent du « confort »

— Après avoir été présentés à Art Basel Paris, les vêtements créés à partir du textile de ce projet seront exposés sous forme d'installations au « CUBE » d'ISSEY MIYAKE GINZA et au « CREATION SPACE » d'ISSEY MIYAKE SEMBA (Osaka), et seront également disponibles en boutique. Pourriez-vous nous faire part des réflexions qui sous-tendent cette série d'initiatives ?

Kangawa : Ce qui m'a le plus frappé cette fois-ci, c'est que les vêtements créés par l'équipe sont, tout simplement, incroyablement beaux. Leur beauté est intuitive, mais en même temps, quand vous voyez ou touchez les vêtements, il y a une profondeur, une présence au-delà de toute explication qui se communique naturellement. Cela, y compris les formes elles-mêmes, reflète l'artisanat et l'habileté extraordinaires de l'équipe A-POC ABLE. Je crois que les visiteurs de l'exposition garderont longtemps l'expérience et l'impression des vêtements. Tsuyoshi Tane, l'architecte qui a conçu l'installation et l'agencement général, aborde normalement son travail de manière archéologique, mais à cette occasion, il l'a abordé du point de vue de la « kōgen-gaku » (une étude des artefacts contemporains). Il a organisé le processus de production et les outils de telle manière qu'il est devenu possible de voir la série, ainsi que des matériaux et des méthodes habituellement invisibles, sous de multiples angles. Ce fut une opportunité très intrigante.

Grâce à ce format d'exposition, il semble que nous soyons naturellement parvenus à un moyen de transmettre soigneusement le message, le processus et les vêtements à chaque individu. En ce sens, cela fait écho à l'idée de Miyamae-san de créer des vêtements que l'on aime pendant longtemps.

Miyamae : Issey Miyake a toujours estimé que l’activité humaine allait au-delà de ce qui était fabriqué. En d’autres termes, les gens sont au centre. Un élément essentiel de cette philosophie est ce que nous appelons « kokochi », un sentiment de confort. Dans les bâtiments, c’est le confort dans l’espace ; dans les vêtements, c’est la façon dont on se sent quand on les porte ; dans les outils, c’est la façon dont on se sent quand on les utilise. En fin de compte, ce sont ces sensations qui comptent le plus.

Miyake disait souvent : « Nous devons créer des choses qui seront aimées longtemps. » La mode a une double nature : elle illumine l’instant présent, mais elle est aussi consommée et vite oubliée. Bien que cette fugacité puisse en soi être une force qui façonne les époques, son opposé est le vêtement qui perdure dans la vie quotidienne. Et pour que les vêtements puissent le faire, le confort est essentiel. Ce sentiment de confort va au-delà de la fonctionnalité. Il permet à celui qui les porte de se sentir ressourcé, transformé et confiant. Dans ce cas, lorsque quelqu'un touche les vêtements A-POC ABLE imprégnés du travail de Kangawa-san, il imagine ce récit en les enfilant, y insufflant des émotions entièrement nouvelles. Créer de telles expériences, je crois, est l'un des rôles les plus importants du design. Et la capacité d'un vêtement à réellement procurer ce confort est ce qui distingue finalement un bon vêtement d'un moins bon. C'est pourquoi j'espère sincèrement que ce projet atteindra les mains des gens et nous permettra d'être témoins des moments où le confort surgit. Je veux que ces vêtements deviennent quelque chose de spécial pour celui qui les porte et qu'ils soient chéris longtemps.

Kangawa : Ce que j'ai ressenti en travaillant avec Miyamae-san et son équipe, c'est que le travail méticuleux, artisanal et pourtant profondément innovant d'Issey Miyake repose sur une forte conviction que l'humain est au centre. Mon propre travail découle également de la conviction continue dans le potentiel humain. Être témoin de cet alignement m'a fait forte impression. Au cœur de l'expression se trouve l'existence humaine, et dans ce projet, elle a été réalisée sous la forme de vêtements. Grâce à ce projet, j'ai pu expérimenter et apprécier cette philosophie une fois de plus.